El grabado oriental en color. Durante la Dinastía T’ang (618 – 906), en China, abundaban xilografías de una sola hoja. A veces contenían textos y algunas eran dibujos. El grabado puramente pictórico se remonta a principios
del siglo XIV. A los grabados sueltos le suceden ilustraciones para libros, de dibujo lineal. Este estilo mínimo y
lineal duró varios siglos. Era de línea tosca. Se usó la coloración a mano desde el siglo X u XI para decorar los textos budistas. La estampación en colores para ilustrar libros se conoce desde el siglo XVII. La xilografía en color, lo mismo que en blanco y negro, tiene su esplendor desde mediados del siglo XVI, es decir, más tarde que en Europa. El color se distribuía en zonas uniformes de contraste o como una red de líneas: los dos procedimientos no se combinaban jamás en una misma estampa. Los colores tenían su propia jerarquía tradicional y se aplicaban según la importancia del objeto representado. Las
estampas individuales a color eran más importantes que las de los libros, en general eran anuncios de obras de teatro, que no se conservan. Representaban objetos de la naturaleza, como flores o frutos, en doce tintas de colores. También perfeccionaron la técnica del gofrado, que es una forma de estampar en relieve, sin tinta. En Japón recibieron gran cantidad de conocimientos de los chinos, y fueron ellos los que elevaron la estampación en color –como forma de arte- a una categoría superior. En el siglo VIII, se realizaban imágenes devotas,
con un estilo lineal hasta aproximadamente el siglo XVI. Luego existió un cambio en los temas, que se volvieron más variados. En 1627 se realiza la estampación en color con
tacos SEPARADOS y la técnica llegó a su desarrollo completo a mediados del siglo XVIII. Escuela Ukiyo-e : (o de la pintura de la vida inestable), Hacía referencia a la vida como un lugar de paso, casi sin sustancia. Luego en el siglo XVII, su producción se asoció
al placer y la vida hedonista. Duró aproximadamente hasta mediados del siglo XIX. Los comerciantes se dedicaron a gastar en placeres y en la adquisición de objetos de lujo. Las dos escuelas más importantes, patrocinadas por la aristocracia, trataban temas de poco interés para la gente del pueblo. Había un aumento en la demanda de temas de la vida corriente. Por lo que surgió una forma “económica” de pintura de trazos enérgicos, toscamente coloreados. Se necesitaba una forma barata de estampación múltiple para las clases menos prósperas.. Hubo, además, una etapa intermedia de ilustraciones de vida cotidiana hasta llegar a las estampas ukiyo-e: al principio eran cuadros, después estampas en color. Moronobu : diseñaron con gran sencillez y después coloreaban a mano, rojo anaranjado sobre fondo verde oliva o amarillo apagado. De estilo lineal, trazo suelto y vigoroso, pocos detalles, zonas grandes y pequeñas de negro uniforme. Desarrollo de la estampación en color: Siguieran varias escuelas. La de Kiyonobu, conocida por los retratos de actores del Kabuki, con fuertes trazos negros coloreadas a mano. El kabuki o teatro popular era la mejor inspiración de la estampa japonesa. La demanda de estampas en color seguía en aumento, lo que obligaba a mejorar la producción. La estampación con varios tacos, aplicando el color directamente sobre el taco de madera, a dos colores, se produce durante la tercera o cuarta década del siglo XVIII. Coexisten varios años la coloración a mano (preponderante) y la estampación con tacos de color. Otra técnica era aplicar polvos de metal como mica y oro. Artistas de esta escuela fueron: Masanobu (1686-1764): series de mujeres en tareas domésticas; Haranobu (1725-1770) pasó de la ilustración de libros al diseño de estampas sueltas, con un método de estampación de al menos cinco colores. Las uishiki-e eran estampas a todo color, realizadas en equipo de artistas grabadores y estampadores. Los materiales eran iguales a los de siglos anteriores. Primero trabajaba un artista haciendo el dibujo lineal con pincel y
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