Expresionismo Abstracto Americano. Durante la Segunda guerra mundial, el
arte de vanguardia en EEUU alcanzó su propia identidad, para desvincularse de la influencia europea y crear un lenguaje
con características propias. Hacia 1929, se crea el MOMA (Museo de Arte Moderno) que incluyó no sólo las primeras vanguardias sino también los últimos “ismos”
del siglo anterior, con el concepto de que sin hacer referencia a los precursores, no se podía entender el arte de las primeras décadas del siglo XX y agregaron obras de Picasso. Muchos artistas europeos habían emigrado hacia EEUU ante la imposibilidad de trabajar en sus países empobrecidos. La tarea docente que desarrollaron tuvo gran repercusión en los americanos. La capital artística pasó de París a Nueva york. Después de 1940 surgieron grupos de artistas que estaban interesados en el psicoanálisis y las teorías de Freíd y Jung, lo cual tuvo su incidencia en artistas como Rotkho, Pollock y De Kooning, pero el público no aceptaba el lenguaje innovador de las vanguardias. 1947 puede considerarse el año de inicio del Expresionismo Abstracto
Americano cuando sus representantes crean un lenguaje propio. Coincidió con el Informalismo Europeo, por lo que tienen muchos puntos en común: de carácter antropocentrista, dejan traslucir los estados de ánimo de sus autores y las obras son el vehículo para expresar sus emociones. Grosores acusados, chorreados, goteos, en América tuvieron dos modalidades: el gestualismo y los
campos de
color (color- field paintings). Pollock, autor del primer dripping, empleó nuevas técnicas, pistola-aerógrafo, materiales sintéticos. Se interesó por los muralistas mejicanos, la composición y los grandes formatos. Aspiraba a la creación de un arte universal, en la creencia de que existe una religión universal. Esto se conectaba con su interés por el esoterismo y las ciencias ocultas y el estilo all-over (todo cubierto) podría derivar de estas creencias. Hacia 1947 se concentra en formas biomórficas. Materiales usados: vidrio, esmaltes, pintura metálica. El color adquiere un protagonismo absoluto. Colores primarios contrastados con goteados de aluminio. En 1953 cae en una depresión y se suicida. Willem De Kooning: hacia 1942 utiliza un automatismo en obras donde se asocian figuras geométricas y biomórficas. Grandes brochazos con sensación de dinamismo. A principios de los ’50 realiza una serie de mujeres desnudas con violentos y fuertes brochazos, con aspecto brutal y agresivo. Utiliza grandes formatos. Mark Rothko: como los anteriores, primero transita por diversos lenguajes hasta que en 1947 llega a la abstracción total. Su interés se centró en el estudio del color. Las obras fueron ejecutadas por medios tradicionales, con óleo. Gran formato de los lienzos, dispuestos verticalmente, con campos de color horizontales. El color aparece dispuesto por franjas y nunca queda limitado por líneas o encerrado en estándares geométricos fijos como los de Mondrian (Inobjetivismo holandés). Pintó campos de color hasta su muerte, en 1970, suicidio. No se distinguen etapas en su obra. Expresa una amplia gama de sensaciones y emociones. El color rojo fue el que más lo fascinó, con una carga expresiva mayor que la de otros colores, por los valores simbólicos que se le asocian. Gran capacidad para relacionar colores que difícilmente puedan imaginarse juntos. El Expresionismo Abstracto Americano se debilita entre 1953 y 1956, a la muerte de Pollock y señala el nacimiento del Pop Art.
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